Nel cuore dell’estate 2026, nuove pubblicazioni spuntano come segnalibri di un presente in fermento. Non si tratta solo di libri, ma di chiavi per decifrare un mondo in rapido cambiamento. Arte contemporanea, trasformazioni urbane, cinema underground, ecofemminismo: i temi si intrecciano, sfidando lettori e lettrici a guardare oltre le apparenze. Le pagine si animano di riflessioni su immagini che plasmano identità, su città che mutano, su corpi e memorie collettive. C’è una tensione palpabile, un invito a rivedere ciò che si dava per scontato.
Non è solo una critica al sovraffollamento turistico. Nel suo pamphlet, Rodolphe Christin va dritto al cuore della questione sociale ed economica del turismo oggi. Parte dall’identità del viaggiatore moderno e mostra come il viaggio si sia trasformato in un prodotto da consumare a livello globale. Per Christin, il turismo di massa non è solo un effetto negativo del capitalismo, ma un meccanismo che organizza il tempo libero e impone modelli di desiderio tutti uguali.
Il libro spiega come il viaggio perda il suo senso simbolico, diventando solo consumo di scenari, spesso a danno dei luoghi e delle comunità che li ospitano. Il turista diventa così il simbolo dell’insoddisfazione moderna: cerca autenticità, ma contribuisce a distruggerla. Christin mette in luce il lato ambiguo e doloroso del fenomeno, tra nostalgia e mercificazione, fascino e devastazione.
Questa riflessione è particolarmente importante per le città d’arte e i borghi italiani, trasformati in set per masse di visitatori. Christin invita a ripensare il nostro rapporto con lo spazio, il tempo e il desiderio, sfatando l’idea che muoversi significhi per forza conoscere.
La monografia curata da Silvia Ardemagni, Luca Massimo Barbero e Maria Villa nasce dal convegno del 2024 alla Fondazione Giorgio Cini. Ventuno esperti si confrontano per offrire un ritratto articolato di Lucio Fontana, una delle figure chiave dell’arte del Novecento. Non è un semplice catalogo di immagini, ma una rilettura che rimette in gioco le radici biografiche, geografiche e tecniche dell’artista.
Il libro ripercorre le sue tante esperienze, dagli inizi in Argentina alle influenze futuriste, dalla sperimentazione spazialista ai rapporti con le biennali internazionali. Particolare attenzione viene data anche alla storia delle sue mostre e alla costruzione del “mito Fontana” attraverso il lavoro critico e le pratiche espositive.
L’edizione open access in italiano e inglese apre il volume a un pubblico ampio: non solo specialisti, ma anche studiosi, curatori e appassionati. L’approccio a più voci stimola nuove ricerche e mantiene vivo il dialogo con un artista che continua a interrogare la storia dell’arte.
Il libro curato da Lisa Andreani e Valerio Di Lucente cambia registro rispetto ai classici studi monografici. Alberto Grifi non è un autore isolato, ma parte di una rete di pratiche e sperimentazioni critiche che hanno attraversato il cinema underground italiano.
Attraverso un montaggio di film, saggi, documenti e testimonianze, il volume ricostruisce il suo percorso, mettendo in luce la ricerca costante di nuovi modi per raccontare realtà, tecnologia e forme di controllo sociale. Il concetto di “corpo collettivo” diventa un metodo: il cinema di Grifi è uno spazio aperto, fatto di interazioni tra autori, soggetti marginali e comunità temporanee.
Il libro mostra quanto il pensiero di Grifi sia ancora attuale, non solo come testimonianza storica, ma come spunto per riflettere su come l’arte possa essere gesto politico e processo condiviso.
Christian Caliandro si concentra su come l’arte contemporanea italiana viene percepita e raccontata all’estero. Il libro spicca per l’approccio originale, che unisce analisi critica e un dialogo con 42 interlocutori provenienti da diversi contesti.
La percezione internazionale dell’arte italiana appare complessa e in continuo cambiamento, tra stereotipi radicati e potenzialità ancora poco esplorate. Caliandro evita facili esaltazioni o critiche generiche, offrendo invece un’indagine che mette in luce contraddizioni e strategie di posizionamento culturale.
Il testo invita a riflettere su come l’arte nazionale si costruisca attraverso reti di circolazione, media e dinamiche di mercato globale. La percezione dall’esterno non è un dato fisso, ma un terreno di confronto e negoziazione legato alle nuove tecnologie e al mondo dell’immagine in espansione.
Myriam Bahaffou porta l’ecofemminismo fuori dalle teorie astratte e dalle morali rigide. Il suo libro guarda alla dimensione materiale e quotidiana di temi come i corpi, il desiderio, il lavoro e il rapporto con animali e territori.
L’autrice rovescia l’idea di ecologia come ricerca di purezza, valorizzando invece il disordine, la fragilità e la mescolanza, simboleggiati dal compost. Questo diventa un modello per una pratica ecofemminista situata, che unisce teoria, autobiografia e conflitto sociale.
Particolarmente importante è il ruolo del desiderio come forza politica capace di mettere in discussione istituzioni radicate e ridefinire legami sociali e urbani. Il libro amplia così lo sguardo ecofemminista, aprendolo a una lettura delle interdipendenze che segnano l’esperienza contemporanea.
Ilaria Bernardi e Silvia Fabro si concentrano su un lato meno conosciuto di Luciano Fabro: i disegni e le opere su carta. L’analisi mostra come il disegno non sia solo una fase preparatoria alla scultura, ma parte integrante e autonoma del suo lavoro.
Il volume fa emergere il legame tra la pratica grafica e la riflessione sullo spazio, la forma, il rapporto tra gesto e pensiero. Il disegno diventa così uno spazio dove si intrecciano teoria e pratica artistica.
Attraverso una selezione di lavori significativi, il libro invita a guardare Fabro non solo come scultore, ma anche come artista che ha saputo reinventare la percezione dello spazio attraverso il segno grafico.
Matteo Patelli ricostruisce con precisione storica e critica le manifestazioni d’arte a Martinengo, piccolo centro in provincia di Bergamo, tra il 1966 e il 1968. Qui la provincia ha saputo accogliere ricerche d’avanguardia, ospitando artisti di rilievo come Fontana, Matta e Boetti.
Il libro analizza non solo la qualità delle mostre, ma anche le reazioni di un pubblico poco abituato a quei linguaggi e i modelli organizzativi dietro l’iniziativa. Racconta così l’avanguardia come fenomeno pubblico e locale, in dialogo con condizioni sociali e territoriali specifiche.
L’edizione anastatica del catalogo storico “Pluralità viva” arricchisce il testo, dandogli valore documentario. Martinengo diventa un caso esemplare per ripensare il ruolo dei piccoli centri nella diffusione dell’arte italiana degli anni Sessanta.
Valerio Rocco Orlando racconta un laboratorio permanente che unisce arte, educazione e impegno sociale, tutto concentrato su Matera come corpo urbano da esplorare e reinventare insieme. La “Scuola dei Sassi” non è una scuola nel senso tradizionale, ma un luogo che si muove, dove l’arte diventa un modo per immaginare la città, interrogare memorie e desideri delle comunità.
Il libro mette in luce l’incontro tra arte, pedagogia e studi urbani, mostrando come l’arte possa essere una rete di relazioni capace di generare conoscenza condivisa e educazione tra generazioni. Si evita ogni banalizzazione o applicazione meccanica, puntando invece a una partecipazione vera, lenta e fragile.
L’esperienza si presenta come un processo aperto e continuo, che vuole ripensare il futuro della città costruendo insieme senso, identità e immaginazione.
Il saggio di Iain Chambers intreccia migrazione, colonialismo e pratiche artistiche postcoloniali, con una riflessione serrata sul Mediterraneo come luogo segnato da violenze passate e presenti. Lampedusa e Gaza non sono casi isolati, ma nodi di una rete di dominio e marginalizzazione.
Chambers mostra come strutture coloniali e razziste siano ancora vive nel modo in cui l’Occidente interpreta e governa il mondo. Sottolinea il ruolo dell’arte postcoloniale non come semplice curiosità, ma come strumento critico capace di rompere i linguaggi dominanti e aprire a nuove forme di immaginazione politica.
La situazione a Gaza dà urgenza al discorso, mettendo in discussione le narrazioni umanitarie e l’estetica dominante in Occidente. Ne esce un libro duro, che invita a smontare categorie consolidate per pensare a futuri più democratici e responsabili.
Il volume curato da Daniele Capra raccoglie il lavoro di Manuel Gualandi, che si confronta con “La Tempesta” di Giorgione. Non è un omaggio pedissequo, ma un percorso di riscoperta e decostruzione dell’opera, riportata alla sua materia e atmosfera.
Attraverso una trentina di opere realizzate con tecniche diverse, Gualandi esplora la pittura come superficie viva e sfuggente, difficile da interpretare in modo definitivo. Il libro documenta anche la mostra “Dentro la Tempesta” a Venezia, offrendo un’esperienza che va oltre il semplice sguardo.
I contributi critici ampliano la lettura, restituendo a Gualandi una ricchezza immaginativa. L’opera diventa così un’indagine profonda sulla tradizione veneziana e sul potenziale della pittura contemporanea di dialogare con il passato.
Il treno parte da Parigi, e in meno di un’ora ti ritrovi tra boschi che…
«Non vediamo l’ora», ha detto Baby K, mentre Mr. Rain promette «performance che resteranno impresse».…
Non avremmo mai immaginato tanto affetto, confessano i fratelli Duffer, creatori di Stranger Things, mentre…
A King Street, l’atmosfera è elettrica. Christie’s ha chiuso il primo semestre del 2026 con…
Nel cuore di Genova, un antico ‘Libro d’Ore’ custodisce segreti che vanno ben oltre le…
Ogni estate, il Lago di Garda si trasforma in un palcoscenico vibrante. Il Garda Festival,…