Un quadro è finito solo quando l’artista dice che è finito: quali sono i dipinti più emblematici di Rembrandt, mito dell’arte olandese?
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pittore e incisore del XVII secolo, ha lasciato un’impronta indelebile nell’età dell’oro olandese. Rinomato per i suoi ritratti, scene bibliche e autoritratti, l’artista si distingue come uno dei pittori più venerati di tutti i tempi.
Celebre ritrattista, Rembrandt andava oltre la mera riproduzione fisica, cercando sempre dettagli che rivelassero la vera personalità dei suoi soggetti. La sua maestria nell’acquisire l’emotività dei ritratti è evidente, per esempio, nel celebre dipinto La lezione di anatomia del dottor Tulp.
L’innovativo stile di Rembrandt prese forma con la sua personale interpretazione della luce, alternata nei suoi dipinti ad ampie zone d’ombra, come si denota da opere iconiche come Ronda di notte e Danae. Oltre alle tele, Rembrandt rivoluzionò il processo di incisione, trasformandolo da una tecnica riproduttiva in una forma d’arte autonoma. Riconosciuto come il più grande incisore nella storia, la sua fama come uno dei maggiori esponenti dell’arte olandese perdura ancora. Sebbene pochi dei suoi dipinti abbiano lasciato la patria durante la sua vita, le sue stampe hanno conquistato l’Europa, diffondendo la sua influenza artistica in tutto il continente.
Le opere di Rembrandt nei musei d’Europa
Ronda di notte (Amsterdam)
La Compagnia di Milizia del Distretto II sotto il comando del Capitano Frans Banninck Cocq, comunemente nota come Ronda di Notte, è un maestoso dipinto completato da Rembrandt nel 1642. Attualmente parte della collezione del Museo di Amsterdam, è esposto al Rijksmuseum, distinguendosi come il dipinto più rinomato della sua collezione e uno dei capolavori del Secolo d’oro olandese. Il dipinto è celebre per diverse ragioni: le sue dimensioni imponenti (363 per 437 centimetri), l’uso magistrale di luce e ombra e la rappresentazione di movimento in quello che altrimenti sarebbe stato un ritratto di gruppo militare statico. Il soggetto ritrae la Compagnia di Milizia guidata dal capitano Frans Banninck Cocq (vestito in nero nero con una fascia rossa) e dal suo luogotenente Willem van Ruytenburch (vestito in giallo con una fascia bianca).
Rembrandt, con la sua maestria nell’uso di luci e ombre, guida l’osservatore verso le tre figure chiave nella composizione: i due uomini centrali e la donna sullo sfondo, al centro a sinistra, che tiene un pollo. Dietro di loro, Jan Visscher Cornelissen, il guardiamarina, porta i colori della compagnia. Le figure sono dipinte quasi a grandezza naturale.
L’artista ha reso in modo naturale l’emblema tradizionale dell’archibugiere, con la donna sullo sfondo che ne porta i simboli chiave: gli artigli di una gallina morta sulla cintura, rappresentano i clauwenier (archibugieri), mentre la pistola dietro la gallina simboleggia il trifoglio e la coppa la milizia. Il colore giallo, indossato dall’uomo di fronte a lei con un elmo decorato con una foglia di quercia, è spesso associato alla vittoria, sottolineando il tema di trionfo e glorificazione nell’opera.
Lezione di anatomia del dottor Tulp (Paesi Bassi)
Lezione di anatomia del dottor Tulp di Rembrandt è un’opera magistrale dipinta nel 1632 e attualmente custodita nel Museo Mauritshuis de L’Aia, nei Paesi Bassi. Questo dipinto è universalmente riconosciuto come uno dei primi capolavori dell’artista.
Nella composizione, spicca la figura di Nicolaes Tulp, un anatomista, mentre spiega dettagliatamente la muscolatura del braccio a un gruppo di colleghi medici. Alcuni di questi spettatori sono figure paganti, medici che hanno commissionato la loro inclusione nell’opera.
La firma di Rembrandt nell’angolo superiore sinistro rappresenta un elemento significativo. È forse la prima volta che l’artista appone la sua firma completa, utilizzando il suo nome di battesimo originale, anziché il monogramma RHL (Rembrandt Harmenszoon di Leida). Nel dipinto, la precisione anatomica si fonde con la vivacità dei personaggi e la maestria nell’uso della luce. La scena non è solo un’illustrazione scientifica, ma trasmette anche un senso di dramma e partecipazione umana. Questo approccio innovativo all’arte della ritrattistica e della rappresentazione scientifica ha contribuito a distinguere Rembrandt come un maestro del suo tempo. Lezione di anatomia del dottor Tulp è una testimonianza straordinaria della capacità di Rembrandt di coniugare abilità tecniche e profondità emotiva in un unico capolavoro.
Betsabea al suo bagno (Parigi)
Betsabea al suo bagno, o Betsabea con la lettera del re Davide, è un dipinto a olio completato nel 1654, un’opera straordinaria che affronta un momento controverso dell’Antico Testamento, narrato in 2 Samuele 11.
Il dipinto cattura un momento sensuale della narrazione biblica in cui il re Davide, affascinato dalla vista di Betsabea che fa il bagno, la seduce e la ingravida. Nonostante la scena di Davide che osserva Betsabea fosse stata precedentemente dipinta da altri artisti, l’interpretazione di Rembrandt si distingue per il suo approccio pittorico unico e la vibrante vitalità erotica. Il pittore utilizza pennellate ampie e spesse insieme a colori vibranti, conferendo alla scena una straordinaria intensità emotiva.
Il dipinto è attualmente conservato al Louvre, donato nel 1869 dal dottor Louis La Caze, e è considerato il più bel dipinto di nudo di Rembrandt. La capacità dell’artista di esplorare il dilemma morale di Betsabea è riconosciuta come uno dei migliori risultati della pittura occidentale, aggiungendo un livello di profondità e complessità alla rappresentazione dell’evento biblico.
Festino di Baldassarre (Londra)
Il Festino di Baldassarre è un’importante opera di Rembrandt attualmente custodita alla National Gallery di Londra. Il dipinto segna un momento significativo nella carriera di Rembrandt, in cui il pittore cerca di affermarsi come un maestro nella rappresentazione di grandi quadri storici barocchi. Benché la data esatta dell’opera sia incerta, la maggior parte delle fonti colloca la sua creazione tra il 1635 e il 1638.
La storia raffigurata deriva dal Libro di Daniele dell’Antico Testamento e narra del re babilonese Baldassarre, figlio di Nabucodonosor, che, durante un sontuoso banchetto, vede la mano di Dio scrivere sul muro l’iscrizione “mene, mene, tekel, upharsin”, un evento che profetizza la caduta imminente del regno di Baldassarre. La scena di Rembrandt cattura l’intensità del momento, evidenziando la divina rivelazione e la reazione del re e dei suoi cortigiani. La luce, caratteristica distintiva dello stile di Rembrandt, gioca un ruolo cruciale nell’accentuare i dettagli e creare atmosfera.
Le opere di Rembrandt nel resto del mondo
Ritorno del figliol prodigo (San Pietroburgo)
Il Ritorno del figliol prodigo è un toccante dipinto a olio di Rembrandt che è parte della preziosa collezione del Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo. Quest’opera, una delle ultime realizzate dal maestro olandese, è probabile che sia stata completata due anni prima della sua morte nel 1669. Il dipinto raffigura il commovente momento del ritorno del figliol prodigo al padre, come narrato nella parabola biblica.
Nel dipinto, il figlio torna a casa in uno stato miserabile dopo aver sperperato la sua eredità, caduto nella povertà e nella disperazione. Nell’atto di pentimento, si inginocchia davanti al padre, invocandone il perdono e accettando di diventare un servo nella casa paterna. Il padre, con gesto di tenerezza, lo accoglie come se fosse ancora suo figlio.
Proprio le mani del padre, dettaglio particolarmente significativo, sembrano suggerire la dualità della maternità e della paternità. La mano sinistra, più grande e dal tratto maschile, poggia sulla spalla del figlio, mentre la mano destra, più morbida e accogliente, si apre in un gesto di accettazione. Sul lato destro della scena si trova il fratello maggiore del figliol prodigo, che con le mani giunte esprime giudizio, contrapponendosi alla compassione del padre per il figlio peccatore. La profondità emotiva e la maestria tecnica di Rembrandt emergono vividamente nel dipinto, che fa parte di una serie di opere incentrate sulla stessa parabola.
Danaë (San Pietroburgo)
Danaë è un affascinante dipinto di Rembrandt, originariamente realizzato nel 1636, ma successivamente ritoccato, probabilmente negli anni ’40 del XVI secolo o forse prima del 1643. Attualmente, fa parte della collezione del Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo, dopo essere appartenuto alla collezione di Pierre Crozat. Il dipinto presenta una rappresentazione a grandezza naturale del personaggio mitologico greco Danaë, la madre di Perseo. La scena ritrae presumibilmente Danaë mentre riceve Zeus, che la ingravida sotto forma di una pioggia dorata.
Considerato uno dei capolavori di Rembrandt, Danaë potrebbe aver incontrato difficoltà di vendita a causa delle sue generose dimensioni, che misurano due metri per tre. Nonostante la moglie dell’artista, Saskia, abbia servito come modella originale per Danaë, Rembrandt successivamente modificò il volto del personaggio, sostituendolo con quello della sua amante Geertje Dircx. La rielaborazione del dipinto ha portato a significative modifiche nella posizione della testa, del braccio teso e delle gambe di Danaë. La firma sul dipinto è di difficile lettura, con una data che termina in “6”, ma l’autenticità di tale firma è incerta.
Ratto di Europa (Los Angeles)
Anche noto come Il rapimento di Europa, il dipinto rappresenta una rara incursione di Rembrandt nel territorio mitologico, seguendo l’incisione di Adriaen Collaert basata sul disegno di Maerten de Vos. L’opera, realizzata con olio su un unico pannello di quercia, è attualmente custodita presso il J. Paul Getty Museum di Los Angeles.
Jacques Specx, membro della Compagnia Olandese delle Indie Orientali, commissionò a Rembrandt la realizzzione di questa opera, che fu inserita nella sua collezione privata insiema ad altri cinque ritratti realizzati dallo stesso Rembrandt. L’ispirazione per il soggetto deriva dalle Metamoforsi di Ovidio, con riferimento particolare alla storia della seduzione di Europa da parte di Zeus trasformato in toro. Il dipinto ritrae il momento in cui Europa viene portata via in acque agitate dal toro, mentre i suoi amici rimangono a riva con espressioni di orrore.
La reinterpretazione di Rembrandt della storia, ambientata in un contesto contemporaneo, riflette il suo interesse crescente per il mondo classico durante il periodo in cui lavorava ad Amsterdam, un centro in espansione orientato agli affari. Nonostante il periodo fosse dominato dallo stile internazionale dell’alto barocco, Rembrandt ha prodotto solo pochi dipinti di soggetti mitologici tra le sue trecentosessanta opere
Cristo nella tempesta sul mare di Galilea (disperso)
Rubato nel 1990 dal Gardner Museum di Boston e purtroppo ancora disperso, Il dipinto Cristo nella tempesta sul mare di Galilea di Rembrandt è una rappresentazione suggestiva e drammatica della storia biblica descritta nel quarto capitolo del Vangelo di Marco. La scena mostra il potere della natura e la reazione intensa dei discepoli di Gesù mentre lottano contro una tempesta violenta sul mare di Galilea. La disposizione verticale del dipinto enfatizza il caos e la drammaticità della situazione. I discepoli sono ritratti in primo piano, in mezzo alla tempesta, mentre cercano disperatamente di mantenere il controllo della loro barca da pesca. L’onda enorme che colpisce la prua e strappa la vela contribuisce a creare un senso di pericolo imminente e instabilità.
Uno degli elementi interessanti della composizione è il dettaglio della reazione dei discepoli. Mentre alcuni lottano con le vele e cercano di stabilizzare la barca, un discepolo è raffigurato mentre vomita in mare, evidenziando la gravità della tempesta. Inoltre, la presenza di un autoritratto di Rembrandt tra i discepoli, che guarda direttamente lo spettatore, aggiunge un tocco personale e intimo alla scena.