# «Nessun italiano alla Biennale di Venezia 2026»
La notizia ha scosso il mondo dell’arte e acceso un dibattito che va oltre i confini della città lagunare. Milano, cuore pulsante dell’arte contemporanea in Italia, vive un paradosso: ricca di energie e talenti, ma segnata da tensioni che frenano la crescita. Andrea Fais, giovane artista nato e cresciuto qui, racconta cosa significa cercare spazio e riconoscimento in una metropoli che cambia velocemente, tra opportunità reali e ostacoli spesso invisibili.
Da tempo, diversi esperti segnalano come l’arte italiana fatichi a farsi spazio sulle scene internazionali proprio per problemi che nascono qui, a casa nostra. Il sistema delle gallerie spesso preferisce puntare su nomi stranieri già affermati, lasciando poco spazio ai nuovi talenti italiani. A questo si aggiunge un distacco evidente tra scuole, musei e istituzioni: manca un coordinamento che aiuti davvero i giovani artisti a emergere. Così, il panorama culturale fatica a riconoscere il valore della contemporaneità italiana e a inserirla nei circuiti globali.
Intanto, il mondo dell’arte si trasforma rapidamente, intrecciando economia, alleanze e luoghi espositivi. Per i giovani artisti italiani è sempre più difficile trovare stabilità: cresce la domanda di innovazione e autocritica, ma le istituzioni spesso rispondono in modo frammentato o tardivo. In città come Milano, questo si traduce in un terreno fertile ma instabile, dove farsi notare è una fatica e le opportunità arrivano a sprazzi. Milano non è solo un caso a sé, ma una cartina di tornasole di tensioni che si riscontrano in tutta Italia.
Andrea Fais è nato e cresciuto a Milano. Per lui, la città non è solo lo sfondo della sua formazione, ma la fonte principale dell’immaginario che dà vita alle sue opere. La concretezza urbana, la precisione e la funzionalità tipiche della metropoli lombarda si riflettono nelle sue sculture. Le forme rigorose, contenute, parlano di una città organizzata e produttiva, ma anche nevrotica.
Fais racconta di un lavoro che nasce da una tensione interna: cresce all’interno di questi confini milanesi per poi metterli in discussione, usando materiali che mostrano segni di usura e degrado. Le lastre di metallo che impiega, per esempio, erano all’inizio perfette e definite, proprio come Milano, ma il tempo le ha trasformate in qualcosa di quasi evanescente. Questo contrasto è la chiave per capire il suo lavoro e il rapporto ambivalente con la città.
Il legame con Milano passa anche attraverso le radici familiari e sociali. Viene da una famiglia di lavoratori instancabili, dove il sacrificio è stato la spinta per riscatto. Andrea sente il peso di questa energia tipica della mentalità locale, ma la sua scelta artistica lo spinge a mettere in discussione quei valori, a interrogarsi sul senso del lavoro, della produzione e dell’identità legata al fare.
Lo studio di Andrea si trova a Cologno Monzese, alla periferia est di Milano, e rispecchia molto la sua esperienza artistica. È diviso in due parti: una zona ordinata, dedicata alla mostra delle opere, e uno spazio più caotico, dove si sperimenta e si crea. Un vero laboratorio emotivo e creativo.
Andrea descrive la sua routine: «ogni giorno affronta un viaggio solitario controcorrente, andando contro il flusso dei pendolari». La solitudine dello studio diventa un rifugio, ma anche un luogo dove confrontarsi con la propria fragilità. Dentro quelle mura si alternano momenti di entusiasmo, ma anche noia e paura. Lo spazio somiglia a un’officina alchemica, dove convivono sperimentazione e attesa, tentativi e scoperte.
Questa doppia anima dello studio racconta bene il senso del suo lavoro: lento, preciso, immerso in un silenzio che contrasta con il ritmo frenetico di Milano. È nell’isolamento che nascono le domande e si mettono in dubbio le certezze del sistema.
Un aspetto fondamentale per un artista è costruire relazioni con colleghi, curatori e collezionisti. Andrea sottolinea quanto sia prezioso il confronto continuo con i coetanei: «un dialogo spesso critico che aiuta a migliorare ogni nuovo progetto».
Alcuni nomi hanno segnato tappe decisive nella sua carriera. Gaspare Luigi Marcone, Simone Brambilla e Rita Lucchini hanno creduto in lui fin dall’inizio, offrendo occasioni concrete come mostre e visibilità in spazi importanti come The Open Box. Questi primi appoggi sono stati una guida esperta, un sostegno indispensabile in un ambiente artistico che può essere molto competitivo e faticoso.
Anche il rapporto con curatori come Gianluca Ranzi e altri protagonisti della scena milanese ha aiutato a definire un percorso solido e consapevole. Entrare in una comunità, soprattutto all’inizio, significa spezzare l’isolamento e accedere a circuiti culturali stimolanti. Avere accanto figure di riferimento aiuta a superare la paura e a costruire una propria identità professionale.
Nel 2026 Fais ha partecipato a LETTERA, progetto promosso da Giulia Colussi e Elena Re, che si è tenuto a Palazzo Bragadin Carabba a Venezia, in contemporanea con l’apertura della Biennale. Una mostra indipendente dedicata ai giovani artisti.
LETTERA nasce per scuotere il sistema dell’arte, proponendo un’alternativa quasi anarchica, autonoma ma attenta alle spinte del contemporaneo. Un modo per aggirare la rigidità istituzionale e dare spazio a nuove ricerche e idee. L’esperienza si è svolta in un clima intenso, tra tante mostre ed eventi, con la sensazione di essere una piccola presenza in un mondo vastissimo, ma proprio per questo un privilegio.
Andrea ha portato opere del ciclo “Brillare prima di sparire” e fusioni in bronzo che evocano scampi da cui nascono fiori: una metafora che unisce caducità e rinascita. Questi lavori indagano il rapporto tra materia, tempo e trasformazione. I fiori che crescono dagli scampi rappresentano un legame amoroso, analitico più che sentimentale, capace di esplorare relazioni umane complesse e strane.
Il rapporto con il collezionismo è un elemento particolare nella storia di Andrea Fais. Diversamente da modelli basati sull’acquisto speculativo, il dialogo con Giulia Colussi è una relazione di fiducia e cura, quasi una condivisione del percorso artistico.
Colussi si distingue per un approccio libero, senza calcoli economici, che guarda al lavoro con passione e intelligenza. Questo modo di sostenere, ancora raro in Italia, aiuta a rafforzare il valore dell’opera dall’interno, con un impegno affettivo e culturale. Non è solo business, ma un vero accompagnamento che dà sicurezza e stimoli costanti.
Andrea sottolinea come «la persona influisce profondamente sulla sua creatività». Il collezionista diventa parte di quella “materia viva” che anima il ciclo virtuoso della produzione e diffusione culturale.
Uno dei tratti più particolari del lavoro di Andrea è l’uso dell’ironia come strumento per affrontare temi esistenziali. Non è un modo per alleggerire, ma per scavare dentro questioni come la precarietà, la paura della fine, la fragilità umana.
Un esempio emblematico è “Mi cerco” , un’opera fatta con caccole ricoperte di rame e oro a 24 carati. Un lavoro che usa simboli sgradevoli e imbarazzanti per aprire una finestra insolita sull’intimità e sui tabù personali. Le caccole, considerate moralmente sporche, diventano un paesaggio prezioso che racconta la natura più nascosta e vulnerabile dell’essere umano. L’ironia non alleggerisce, ma rafforza la riflessione.
Così Fais riesce a parlare di temi profondi con delicatezza, mantenendo uno sguardo pungente e critico che provoca e coinvolge chi guarda, sfidando abitudini visive e convenzioni.
Andrea racconta la vita di artista giovane come uno stato sospeso tra urgenza e attesa, tra voglia di emergere e la consapevolezza che la creazione richiede tempi lunghi. Milano può sembrare una trappola fatta di velocità e produttività, ma la lavorazione delle sue opere – fusioni in bronzo, lastre curate nei minimi dettagli – impone un ritmo diverso, più lento.
Questa tensione dà vita a lavori che sembrano sempre “sulla soglia”, mai del tutto compiuti. Come le zampe in bronzo, sculture goffe e fuori posto, simbolo di una collocazione sociale ed esistenziale incerta e provocatoria. Oppure le spugne di sapone colorato, che mantengono la forma solo per poco, evocando la transitorietà e il continuo cambiamento.
Il contrasto tra la fretta dell’ambizione personale e la dolcezza dell’attesa racconta bene il processo creativo, fatto di pause, ripensamenti e momenti di sorprendente lentezza.
Tra le esperienze più importanti nella carriera di Andrea c’è la mostra a The Open Box, spazio di riferimento per la scena milanese. Un primo passo decisivo per confrontarsi con il pubblico e con un contesto museale riconosciuto.
La presenza di figure come Gaspare Luigi Marcone e Gianni Caravaggio è stata determinante. Hanno saputo trasformare uno spazio limitato in un luogo vivo, dove le opere dialogano e sembrano animate. Qui Andrea ha imparato che esporre non vuol dire solo mettere oggetti in mostra, ma prendersi cura, prestare attenzione e coinvolgere davvero chi guarda.
Quella mostra rimane per lui un punto di riferimento, un modello di relazione tra artista, curatori e spazio espositivo, che ha contribuito a definire la sua identità professionale e creativa a Milano.
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